El objeto y el cuerpo en este combate, se re-sitúan en una escena y sobre esta escena y sobre este campo de batalla se enfrentan con otros textos y con otras imágenes, adquiriendo distintas propiedades y una nueva clase de gramática visual.
Comparto y concuerdo con J.C. Cirlot cuando en su obra define al objeto y dice que “Este se puede definir como aquello que es pensado, lo que forma el contenido de un acto de representación con independencia de su existencia real, el objeto se halla fuera del sujeto, apareciendo como cosa que no es él y que se halla también dentro de otro sujeto como algo que tampoco es él”.
Por las implicancias en el campo de la estética hipercontemporanea y en la guerra de las Artes Visuales, debo hacer una observación respecto al tema del volumen (cuerpo en operación dentro del pabellón de cirugía) en el espacio, que en este ejercicio de desplazamiento que propongo, es una cooperación interpretativa y por lo tanto un problema de pragmatismo del texto mismo, que toca cuestiones extensibles a las Artes Visuales, o sea es una instancia especifica de subvención interpretativa, son estrategias textuales y visuales, mecanismos operacionales o mejor aun, roles de estrategias propias de la “economía de guerra” incorporadas al texto y a la imagen misma. Así la torsión interpelativa y la dura tensión interpretativa nos devuelve a la obra como un puro asomo, como pura posibilidad de ser (1), como un fragmento corto, que separó lo que alguna vez se había unido, dejando un espacio (no vacío) y dando significantes nuevas a las instancias primarias, es la limpieza e higiene del paisaje en un campo de combate, saturado de muerte y cadáveres. La tarea de limpieza y desinfección que pasa por la separación de cada uno de los elementos infectados y posteriormente por las resignificaciones profilácticas de los mismos, como en una pulcra metodología, propia de las disciplinas forenses.
“Se perfila así una estética de los procedimientos en la que el proceso predomina sobre el objeto; de la forma pasamos a la morfogénesis. Para comprender la imagen hoy debemos abandonar la metafísica de lo imaginario e ingresar en una antropología cultural de las superficies, capaz de dar cuenta de las mediaciones visuales, técnicas, semánticas y estéticas que organizan la producción y la reproducción de los sujetos sociales.” A. Piscitelli.
Todos estos pensamientos y reflexiones los re-articulo y los elaboro conceptualmente a partir y desde el mismo titulo de este texto; “PARAFILIAS O EL COMBATE DE LO FINGIDO” desde la emergencia misma de la batalla y desde la “economía de guerra”, que como se ve y como se lee, la he trasladado a un significado diferente y distinto, o sea a su relación con el goce de la violación incestuosa entre el texto y la imagen, o lo que R. Barthes definió como “El placer del texto” o como la propia circunstancia criminal, con premeditación y alevosía.
Se trata entonces y finalmente de una obra plenamente consciente en cada uno de sus procedimientos y delitos cometidos y en el que la procedencia primaria y la matriz es el lenguaje primerizo que abandona el territorio de las lecturas iniciales y se deja supeditar “por la razón o la fuerza” (generando el denominado “Síndrome de Estocolmo”) e incestuosamente a la imagen, la palabra misma no actúa ya en su rol tradicional a la cual se la ha sometido comúnmente, si no que actúa como una imagen nueva, que se libera de la subordinación a la cual se le ha sometido en cautiverio.
(1) Retombée es la casualidad anacrónica, isomorfa no contigua o consecuencia de algo que aún no se ha producido, parecido y precedido con algo que aún no existe, perteneciente del campo simbólico del Barroco.
Lo que me provoca un placer intenso y una excitación sublime son los mecanismos de engranajes… Si esos hermosos y bellos mecanismos que me transmiten toda su fría, dura y linda energía, todos esos bellos movimientos repetitivamente interminables, produciendo ruidos y gritos mecánicos, en medio de un clímax orgasmico de placer y dolor, llegando a destemplar mis dientes y mi corazón, así tal cual los amo, llenos y rebosantes de un abundante y sucio aceite industrial espermatico, como en la mejor y mas placentera de las eyaculaciones… Ellos y yo, solo los dos en una fría y romántica industria, bajo la agradable luz de los tubos fluorescentes, como dos ejes, uno junto al otro pero a cierta distancia, amandonos cineticamente como la mas bella de las producciones en serie o en cadena, apasionadamente acoplandonos y muy bien encajados como dos mecanismos dispositivos, ajustados perfectamente el uno con el otro… Intensamente, hasta que finalmente suena muy fuerte la aguda sirena de la fabrica, colocando un fin a la jornada laboral y consumación a nuestro idílico y hermoso romance.
En Chile, cuando a un niño en la escuela le va mal en Arte, no llaman al apoderado por que no importa. No les importa al profesor, al jefe de área, al director, ni al Ministerio de Educación.
(“a” Archivo Prospectos de Arte, Centro de Documentación de las Artes, INDICE, N. Richard)
La forma en que los niños ven la ciudad esta muy influida por el nivel de ingresos económicos en el hogar. Es la conclusión de un equipo del Laboratorio de Medio Ambiente y Territorio del Departamento de Geografía de la Universidad de Chile, que hizo el experimento y la investigación de pedirles a niños de entre 6 y 10 años de diferentes estratos socioeconómicos que dibujaran y pintaran la ciudad de Santiago, para realizar el estudio, los investigadores C. Fuentes y M. Salgado eligieron la comuna de Peñalolen, por tener barrios de todos los segmentos, “La idea era ver cuales son los elementos urbanos mas relevantes para los niños”. Pero la experiencia (financiada por Fondecyt) fue mas reveladora: mientras los niños de ambientes menos pudientes dibujaron una ciudad gris, oscura y sin sol, los de clase media ilustraron una urbe enrejada, los de clase económica alta lo hicieron dibujando un paisaje lleno de colores. “Es impactante, por que son niños que viven en una misma comuna y esto muestra la poca capacidad de convocar que tiene la ciudad y la falta de espacios comunes”, analiza el director del laboratorio, H. Romero. Para los investigadores, el estudio revela que es clave considerar la segregación social en la planificación urbana. Tenemos una ciudad que genera una forma muy segregada de ver la realidad a los niños, quienes luego irán a un colegio (y posteriormente a universidades) que reproducirán la desigualdad y terminaran siendo ciudadanos cada vez mas enclaustrados y presos de sus propios miedos y temores. ¿Pero que estamos haciendo para contrarrestar o influenciar en esto?…
Los dibujos revelan lo distinto que luce la ciudad, según el nivel socioeconómico desde el cual se observa. En el estrato socioeconómico alto los dibujos son coloridos, muestran paisajes, arboles y un radiante sol, mientras que las casas aparecen alejadas de otras viviendas, muy concordante con los datos ya que solo el 10,18% de la superficie ABC1 en Peñalolen esta edificado y el 60,38% del suelo corresponde a áreas verdes. En el nivel clase socioeconómico medio o C2, los niños dibujan las características típicas de un condominio (portones de acceso, casas similares y hasta algunas piscinas) y el verde empieza a verse tal como ocurre en la realidad: el 39,84% del suelo C2 de Peñalolen tienen cobertura vegetal. En la clase socioeconómica media baja o C3, los dibujos están marcados por las rejas, dibujan las rejas y lo que alcanzan a ver tras ellas. Si bien el sol aparece, no hay plazas, si hay muchas casas juntas y es nuevamente el reflejo de una realidad: el 56,23% del suelo C3 de Peñalolen esta edificado con fines residenciales. Los niños del estrato económico D, como los de la población Lo Hermida, pintan una realidad donde las casas aparecen pegadas unas a las otras y así sucede en la vida real: el 70,3% del terreno que habita este estrato corresponde a viviendas de dichas características. Solo el 27,5% de la superficie D de la comuna cuenta con áreas verdes. Y finalmente en el nivel E, el mas bajo socioeconómicamente, los dibujos son crudos y duros, con marcados negros, grises y cafés. No dibujan ni arboles ni el sol; hay mucho cemento, tierra, perros vagos y hasta excrementos en algunos casos. Un elemento que se repite es una acequia, que los niños pintan cafe y llena de basura. Básicamente sus dibujos revelan lo distinto que luce la ciudad, según el nivel socioeconómico desde el cual se observa… La inequidad finalmente se refleja en la mirada de los niños.
Estas extenciones de relaciones fetichistas con las casas, no son otra cosa que síntomas de una patología narcisista y en parte esta obsesión compulsiva revela el exhibicionismo y el arribismo, donde todo se relaciona con la importancia de la fachada (insisto nuevamente en este texto como en otros, sobre el “travestismo decorativo”) como lugar de representación de una identidad oculta y que por ley siempre es mas brutal y dura en su interior (en la realidad y en su naturaleza). La fachada es un medio para mostrarse, individualizarse o aparentemente distinguirse. La casa, por muy pequeña que sea permite esta exhibición y la marca que la diferencia de la de los vecinos. Es impactante en este experimento de laboratorio, esta necesidad de exhibición impúdica y publica. Este análisis y este texto, coloca en evidencia dos características de la densa y cruda modernización, (actúan como mecanismos asociados) una es la pauta individualista de la casa, la cual produce la extensión desmedida de la ciudad y la otra es el culto al automóvil, cuya utilización irracional ha generado el atochamiento de las calles. Esta mezcla genera un efecto mas; el aumento de los tiempos de transporte y el tiempo de vida que pasan arriba de estos medios los ciudadanos. Es simultáneamente una ciudad con un espacio publico invadido por una iconografía política irracional donde el desarrollo urbano no hace otra cosa que poner mas en evidencia la decadencia de la vida. Muchas de estas grandes casas del barrio “alto” no tienen fachada, los jardines son interiores y grandes muros tapan el “esplendor arquitectónico” de las miradas inquietantes. Son como casas invisibles para quien no es aceptado en la intimidad. El exhibicionismo de los ricos esta volcado al igual que hacia sus automóviles y este también pertenece al dispositivo de la (re) presentación del Yo. Aunque la casa permanece protegida, como un santuario en decadencia, alejada de cualquier posibilidad de una mirada inocente o peligrosa.
La relación Arte/Sociedad vio en 1974 la fundación del “Colectivo del Arte Sociológico”, desde donde se declara contemplar las actitudes ideológicas tradicionales del ciudadano, H. Fisher escribe “La muerte de la historia del Arte” aunque antes lo hizo J. Galard en su “La muerte de las Bellas Artes” desde donde insisten mutuamente en “acrecentar las posibilidades de revolución mediante la multiplicación de los motivos que tendríamos para desearla”
La ciudad también cansa al rico cuando este se encuentra entrampado en los interminables tacos, pero finalmente termina por asfixiar a los mas vulnerables… a los pobres.
En “Alguien voló sobre el nido del cuco” su protagonista, R. Mc Murphy, se hace pasar por enfermo mental para evitar cumplir en prisión su condena por corrupción de menores. En Suecia, la artista visual de 35 años A. Odell ha sido juzgada y condenada a pagar una multa de 245 euros por emular al personaje que en el cine interpretó J. Nicholson (que ganó el Oscar en 1975) al fingir un estado psicótico para hacerse ingresar en un hospital psiquiátrico.
En el distrito Liljeholm de Estocolmo, A. Odell actuó como si estuviera fuera de sí. Tal parecía su estado que unos transeúntes llamaron a la policía, que la detuvo y la llevó a St. Görans, el mayor hospital psiquiátrico de la capital sueca. Toda la escena fue filmada y convertida en una película de 7 minutos, “Unknown Woman: 2009 – 349701″ que A. Odell presentó como proyecto de graduación a sus profesores de Konstfack, la prestigiosa escuela de Bellas Artes de Estocolmo.
La artista pasó una noche ingresada, atada a la cama y sedada con psicofármacos, hasta que al día siguiente su hermano acudió a recogerla y ambos desvelaron la farsa a los médicos del hospital. “A. Odell quería explorar el funcionamiento de la asistencia psiquiátrica porque es un ámbito en el que el enfermo queda desprovisto de muchos de sus derechos civiles”, explica O. Glemme, director del Departamento de Bellas Artes de Konstfack. La propuesta había recibido el visto bueno de los profesores de la escuela después de una “seria discusión” sobre sus implicaciones morales: “Nuestra norma es que el estudiante siempre es responsable de sus proyectos, aunque nuestra obligación es hacerles conscientes de las consecuencias que puedan tener”, añade O. Glemme.
Pero no todo el mundo está de acuerdo con este planteamiento. El montaje trascendió a la prensa sueca y A. Odell fue acusada de resistencia a la autoridad, falsa alarma intencionada y malversación de recursos públicos, tres cargos que le podrían haber costado hasta dos años de libertad condicional y devolver el costo de los cuidados que le aplicaron, valorados en unos 1.130 euros. En el fondo, lo que se debatía era cuánto se pueden forzar los límites de lo ético en nombre del arte. Lo cierto es que A. Odell no hizo sino escenificar un episodio de su propia biografía. Hace 14 años, durante un brote psicótico real, la artista vivió exactamente la misma secuencia de acontecimientos: el puente, la policía, el ingreso en el psiquiátrico…
¿Hasta dónde se puede llegar? “Desde luego, no se puede dañar ni física ni moralmente a nadie. Y que el artista acate las consecuencias, como A. Odell, que sabía a lo que se exponía”, señala O. Glemme
Fuente: I. Lafont, Diario El Pais, Madrid, España, 01/09/2009.
Querido Vincent, el mismo día de hoy 29 de julio cuando se conmemora una fecha mas de tu muerte, he vuelto a ver tus trabajos que pintastes en el psiquiátrico de Saint Paul en Saint Remy y he tenido que mirar para otro lado, he terminado llorando… Recuerdo que en la biblioteca de mi abuelo Jose Zamudio estaba la enciclopedia Summa Artis y uno de mis capítulos favoritos era el tuyo, de niño me gustaba y asustaba tu violencia, tu forma extraña de mirar el mundo como si fuera un lugar aparentemente hermoso… pero donde uno puede arruinarse, volverse loco y cometer crímenes, solo tenias 37 años (solo me queda un año mas) cuando terminaste con la idea compulsiva y desesperada por alcanzar la belleza, pero no te interesaba reproducir la belleza que tenias delante de los ojos, sino expresar con mas fuerza lo que pasaba por tu alma, es fácil entender eso ademas en tus palabras cuando le escribías a P. Gauguin que “querías pintar la triste expresión de nuestra época”. Las elaboraciones y construcciones de tus pinturas se insubordinaron al plano y tus emociones exaltadas al máximo caracterizan en lineas generales tu oposición a la plástica de la mera representación de la realidad. Todo cuanto te rodeaba hoy me alimenta y proyecta las fantasías, el rechazo social, los amores desgraciados, el fracaso, la esquizofrenia, el alcoholismo y la Absenta, la sífilis, la pobreza, las crisis, las psicosis, el tormento, la epilepsia, las intoxicaciones y envenenamientos por el plomo contenido en los pigmentos, los óleos y la trementina, el intento de quemarse las manos, la oreja cortada y tantos trágicos episodios mas… bueno y finalmente lo que todos sabemos. Para lograr la representación de ese estado de gracia en su máxima intensidad no pudistes hacer otra cosa que circundar la figura del “santo” obsesivamente (reitero, insisto, repito y vuelvo a repetir…) eres la representación de aquello que es la (des) gracia pura, como cuando te enamorastes de aquella pobre puta (Sien) y sus hijos, convencido de haber encontrado allí la felicidad, de seguro conmovido por la decadencia y la miseria, por que siempre hemos tenido ese don terrible de la compasión, de hacer propio el dolor de los demás. He sabido también de los sucesivos cambios de residencias, de tu periodo en Arles y de tu estadía en el psiquiátrico de Saint Remy, allí donde nos sentimos a gusto ente los nuestros y donde conseguistes un pequeño oasis en el desierto o esa tranquilidad y paz que tan desesperadamente buscamos. Particularmente ajena esta vez, pero significativa igual me resulta referirme ahora mismo a la polémica entre M. Schapiro y M. Heidegger respecto a la interpretación de una de tus pinturas en la que representas un par de zapatos, me parece sin duda que la idea de M. Heidegger es errónea desde un punto de vista determinista y por lo tanto M. Schapiro tiene toda la razón de criticarla, pero en esta oportunidad me (e)motivan otras cuestiones circunstanciales mas patológicamente autobiográficas que me circunscriben a tu vida… Como la soledad del artista recluido en el psiquiátrico, asumiendo la propia locura como una enfermedad y una soledad que solo es rota por la incesante comunicación a través de cientos de cartas con tu hermano Theo y es por eso mismo que te escribo hoy, para romper esa soledad en la que me encuentro sumido, que como fenómeno parece inherente al hombre que desde el momento en que incoherentemente (paradoja) se multiplica y que a mi juicio responde a una ley matemática (a medida que crece el numero de hombres que viven en común crece la soledad de cada uno de ellos en particular, se trata de una relación inversamente proporcional, ¿que mayor soledad que la que existe en los departamentos de los gigantestescos edificios? este es el “suplicio de Tántalo” * de las sociedades modernas) ¿Por que razones el Artista que pareciera destinado a concitar interés a su alrededor, solo provoca malestar y alejamiento? sufriendo el aislamiento con el que se proscribe a los enfermos contagiosos o leprosos, como se coloca al criminal fuera de la ley que no es otra cosa que el (arquetipo) panorama general que nos toca actuar en estos escenarios de la interdicción o la incomunicación social. “Yo arriesgué mi vida por mi trabajo y mi razón siempre fue menoscabada” estas son tus ultimas palabras en tu última carta, encontrada en el bolsillo de tu ropa, un día como hoy 29 de julio pero en 1890.
* Según los expertos en mitología, el significado del mítico suplicio de Tántalo, además de la severidad del castigo que merece el parricidio o filicidio en nuestras sociedades, consiste en que el hombre por su misma insensatez, se priva de todo lo que tiene al alcance de la mano. El castigo de Tántalo también representa las frustraciones sufridas por aquellas aspiraciones insatisfechas y la dualidad contradictoria o paradójica que existe entre la voluntad de la autonomía y el persistente complejo de culpa en el hombre.
